Arte
Pintura y fotografía. Encuentros y desencuentros
Oscar Marín Repollet
1.-HERRAIZ SERRANO, Alfonso; La mirada de piedra, 1992
2.-MADOZ, Chema; Sin título, 2003
Greengberg defendió que la pintura no debe integrar nada que provenga de otros medios artísticos, debiéndose alejar de la tridimensionalidad, sus parámetros de una pintura plana y pura han sido sobrepasados en la práctica de la hibridación en la plástica contemporánea. En 2003 la fotografía de Chema Madoz que muestra una paleta mezclada con un bocadillo de comic parece burlarse de la opinión del crítico. Nunca existió un arte puro, la relación existente entre los dos medios, pintura y fotografía se remonta a la aparición de la cámara oscura, invento que servía como útil al pintor y que se inscribía dentro del modelo de representación de la pintura. Esta correlación resulta evidente desde antes de la aparición de la fotografía en sí, el mito de la aparición de la plástica nos habla ya de la combinación de medios como génesis de la imagen, el mito de Butades recogido por Plinio en su Historia Natural, describe como un alfarero siguiendo los deseos de su hija "fija" la imagen del amante de esta, sobre una pared a la luz de la vela. Para hacer esto el alfarero Butades se valió de la sombra dibujando el contorno del joven, aplicando arcilla sobre el dibujo, dotándolo de relieve y cociéndolo después. Según la leyenda griegos y egipcios concibieron la pintura a través de la sombra, por tanto la primera pintura sería sólo una copia de una copia, una representación de una sombra. Ambos géneros, pintura y fotografía nacieron del deseo de ser recordado, inmortalizado, "fijado" a través del tiempo.
3.-BELLMER, Hans; The Doll, 1934
4.-SHERMAN, Cindy; Untitled, 199
Soulages nos habla de "el arte potencia de dos" de la creación de una obra a partir de otra. En el ámbito de la plástica es fundamental el enfoque creador; el artista utiliza la imagen, lo imaginario, la ficción y la metáfora para producir una emoción en el espectador. La muñeca de Hans Bellmer , colocada, fotografiada y coloreada por el artista en 1934 servirá gracias al apropiacionismo a la elaboración de otras imágenes, es evidente que la obra de Cindy Sherman evoca intencionalmente el trabajo de este autor. La fotografía con frecuencia se basa en la alegoría, mediante la apropiación, recontextualización y la fragmentación produciendo un juego de significantes y significados. Según Roland Barthes: "La sociedad se empeña en hacer sentar la cabeza a la Fotografía, en templar la demencia que amenaza sin cesar con estallar en el rostro de quien las mira. Para ello, tiene a su disposición dos medios. El primero consiste en hacer de la Fotografía un arte, pues ningún arte es demente. De ahí la insistencia del fotógrafo en rivalizar con el artista, sometiéndolo a la retórica del cuadro y a su modo sublimado de exposición. (...) El otro medio consiste en generalizarla, en gregarizarla, en trivializarla hasta el punto de que no haya frente a ella otra imagen con relación a la cual pueda acentuar su excepcionalidad, su escándalo, su demencia" (Barthes, La cámara lúcida 1980, pág. 198). En el año 2004 La famosa fotografía que muestra a un preso iraquí cogiendo unos cables, subido encima de una caja de cartón tapado con una bolsa de basura en forma de cucurucho con el rostro oculto y una suerte de hábito oscuro; remite por un lado a un grabado de Goya que muestra a un hereje ante la Inquisición y por otro bien podría ser el testimonio no de una guerra sino de una performance o un frame de una película de Pasolini.
5.-GOYA; Capricho 23, 1799
6.-SOLDADOS AMERICANOS; abril 2004
La fotografía desde su creación siempre fue un medio mirado con recelo siempre estuvo encaminada en dos direcciones, una la ciencia y la "verdad objetiva", otra el arte y el culto a la experiencia subjetiva. Una vez alcanzados los niveles de perfección técnica que proporcionara el suficiente grado de realismo y verosimit¡litud, fue aceptada socialmente. El primer movimiento que elevó la fotografía a la categoría de arte, el pictorialismo se basaba en la premisa de que el aumento de producción de las imágenes mermaba la calidad de estas; dicho de otro modo intentó controlar la producción de imágenes con las convicciones establecidas por la pintura. Podríamos designar tres estadios decisivos en la elaboración de la imagen pictorialista: la manipulación del referente, o escenificación de la escena antes de la toma, con los que se lograba un control libre del objeto a fotografiar; la manipulación del significante uso de cualquier efecto que confiriera a la imagen un aspecto cercano al dibujo manual; el uso de pigmentos para dar a la imagen un aspecto pictórico. Las cámaras fotográficas son y fueron indispensables como herramientas para los pintores, gran parte del arte a partir del impresionismo se ejecutó gracias a la ayuda de fotografías. La fotografía de 1870 titulada sombrero de copa guarda ciertos aspectos formales y conceptuales que nos acercan a la famosa pipa de Magritte. La chistera remite al mundo del funambulismo, la magia y la sugestión, no olvidemos que en el siglo XIX, esta clase de espectáculo de fantasmagoría e ilusiosionismo aun pervivían. Recordemos las fotografías de espiritus que se hicieron populares hacia 1862. El choque entre fotografía como estatuto de la verdad y magia es constante, la relación entre vida y muerte establece un binomio que podemos observar en la imagen de la chistera, símbolo del mago en el imaginario colectivo. El sombrero es un objeto que ha pertenecido a una persona, gracias a la fotografía y a su objetividad el objeto se cosifica adquiriendo cualidades humanas que evocan al propietario. Sarte escribe en relación a una fotografía en el libro El imaginario: " Mi intención está aquí ahora; yo digo: "Esto es un retrato de Pedro", o más brevemente: Éste es Pedro". Entonces la foto ya no es un objeto, sino que funciona como material para una imagen (...) Todo lo que percibo entra en una síntesis proyectiva dirigida hacia el verdadero Pedro, un ser vivo que no está presente" (Victor Burguin, Ensayos, 2004, pág. 63") . Al ver el sombrero no es difícil imaginar la figura de una persona saliendo de la chistera. Para Roland Barthes :"la foto mantiene con el sujeto-espectador la misma relación que el objeto fetichizado: debe ser mirado; la mirada da placer; afirma una existencia más allá de sí mismo; niega simultáneamente la presencia de dicha existencia" (Victor Burguin, Ensayos, 2004, pág. 38). Aunque esta fotografía carece de frase explicativa al ser reproducida adquiere mayor significación al aparecer el título o pie de texto. Puede verse la presencia fantasmagórica, irreal del sombrero, se trata de una imagen manipulada que además de poder evocarnos a una pintura parece preconizar el uso de la tecnología actualmente.
7.-BUEL´S GALLERY; Sombrero de copa, 1870
8.-MAGRITTE, RENE; Ceci nést past une pipe, 1930
El medio fotográfico estuvo relegado a la función de documento social, hasta mediados del siglo XX a partir de estos años la fotografía entrará de lleno en las instituciones y en la educación y se verá legitimada como arte. Esto fue posible gracias a las experimentaciones de las vanguardias históricas. Actualmente la mayoría de las imágenes que cuelgan en museos revisitan esquemas afianzados a lo largo de la historia del arte, sirva como ejemplo la obra de Witkin que recrea una pintura de la Escuela de Fontainebleau con unos medios muy cercanos al modo de hacer pictorialista. Estas fotografias o re-presentaciones comparten con las obras originales su teatralidad; igual que estas fotografías se han escenificado en un estudio con la ayuda de actores e iluminación fueron antaño representadas en los talleres de los pintores por modelos que vestían ropas de actores. Estas escenificaciones o pinturas digitales cuestionan valores como la originalidad puesto que no son originales sino reproducciones sin el aura de la imagen original, es una suerte de pintura de la era digital. No en vano ya se ha acuñado no sin razón el término foto-cuadro. Las características de estas foto-pinturas son que se realizan usando el retoque digital, usando generalmente el color; se venden a precios proporcionales a los que se vendían en tiempos las obras de Durero, tienen formatos grandes como los cuadros de Velázquez y están legitimadas por museos e instituciones de la misma forma que lo pudo estar Jacques Louis David. Ademas la pintura actual se produce generalmente en serie y esta división por serie correspondió también al modo de exponer las fotografías en el siglo XIX. De algún modo este neopictorialismo con el tiempo se verá coronado por el concepto de aura, el tratamiento digital de la imagen permite ampliar su contenido simbólico.
9.-FONTAINEBLEAU; ESCUELA DE; Grabielle d´Estrees y su hermana , 1595
10.-WITKIN, JOEL-PETER